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Andréi Arsényevich Tarkovski


Es casi imposible separar el concepto de cine ruso al nombre Tarkovski, irremediablemente cualquier amante del cine asocia inmediatamente su nombre a cualquier comentario sobre cine ruso.
Es tan grande la figura de Tarkovski que prácticamente no deja manual sin referirse a su depurada técnica y único (copiado hasta el hartazgo) estilo narrativo.
A pesar de su corta vida, 54 años, ha dejado un legado que con el correr de los años va agrandando su figura y seguramente en el futuro de la humanidad será uno de los grandes artistas clásicos de todos los tiempos junto a los grandes pintores y compositores, tal es su magnitud. Y sin embargo a muchos su cine les parece aburrido e insípido, esto por su postura totalmente antagónica a el estilo de cine hollywoodense y comercial que es la media del consumo actual. 
En su vida realizó solo 7 films, 11 si contamos los 4 de su etapa como estudiante.
El primero de los siete es de 1962 La infancia de Iván, realizado dos años después de graduarse, ya muestra claramente hacia adonde apunta su genio. El film sobre un niño huerfano adoptado por un escuadrón del ejército sovietico durante la Segunda Guerra Mundial, causó furor en la crítica especializada y entre los cineastas más renombrados del mundo. Era inconcebible que una persona tan joven rodará un film con semejante maestría. 

La película ganó el León de Oro a mejor película en el Festival de Venecia, y el Golden Gate en el Festival de San Francisco. Pero lo descollante fue el posterior reconocimientos de cineastas que a ese momento llevaban una larga trayectoria algunos con varios Oscar y otros premios en su haber como en el caso de Bergman que reconoció haber cambiado su rumbo luego de ver este film.
Su segunda película Andréi Rubliov una historia biográfica sobre la vida del pintor que además se abre en abanico mostrando la dura vida del siglo XVI y sus calamidades, le valieron el Premio al mejor film en el Festival de Cannes, en el Festival de Belgrado y en el Festival de Helsinki. Y su fama se acrecentó proporcionalmente, aunque dentro de círculos muy selectos ya que para el gran público el cine de Tarkovski comenzaba a transformarse en indigerible.
Su tercer film es Solaris de 1972, una historia de ciencia ficción que rápidamente se convirtió en film de culto alrededor del mundo y definitivamente lo consagró como el más grande director de la historia del cine ruso y uno de los más importantes de todos los tiempos a nivel mundial. 

Sin embargo nunca llegó a ser un director popular, aunque gran parte del mundo conoce sus películas solamente una minoría las ha visto.
En 1975 estrena Zérkalo (El espejo) donde el agua y el fuego son elementos centrales en su composición fotográfica, siguiendo con lo que tímidamente ya asomaba en Solaris.
En 1979 llega su mayor éxito, otra historia de ciencia ficción basada en la novela Picnic junto al camino o Picnic extraterrestre como se tituló en algunas ediciones en español escrita por los hermanos Strugatski.
La particularidad de este film más allá de la historia, es que uno al verla no puede dejar de pensar en lo maravillosamente bello del film,  y a la vez sabiendo que la mayoría del metraje rodado se destruyó por un accidente por lo que tuvo que rehacer la historia dividiéndola en dos partes bien diferenciadas con enormes dificultades para realizarla. Que hubiese sucedido de no pasar este accidente?, si así como está es uno de los mejores films de la historia. 

Por otro lado esta película ganó mayor fama en los comentarios que en la taquilla, actualmente un videojuego basado en la historia es ampliamente jugado por millones de personas que desean ansiosos una película basada en el videojuego, ósea en la historia de la historia. Y también existe una serie actual de televisión estadounidense basada en la historia.
Boris Godunov de 1982 es la filmación de la puesta en escena de la Opera Músorgski, con l particular enfoque de Tarkovski.
En 1983 realiza la película para la Televisón italiana Tempo di viaggio, en si el film de 63 minutos es un documental sobre Tarkovski con la dirección del propio Tarkovski y Tonino Guerra. Muestra el viaje a través de Italia en plena preproducción de su film Nostalgia.
Finalmente en 1983 se estrena Nostalgia, En Italia Tarkovski había sido comprendido en toda su dimensión desde su primer film y contaba en este país con una cantidad de adeptos difícil de igualar en otros países. Y tal vez como un gesto inconsciente Tarkovski gesta aquí su gran obra maestra, se había marchado de Rusia por el hostigamiento de las autoridades hacia su obra, y sin embargo no pudo escapar del férreo puño soviético.
La película que fue exaltada en todo el mundo como la gran obra de la época, se alzó con el premio del jurado ecuménico en el Festival de Cannes, además del premio al mejor director y como si fuera poco le es otorgado el Gran premio al creador de películas junto a Robert Bresson. 

Luego el gobierno ruso prohibió que Tarkovski recibiera la Palma de Oro, esto hizo que decidiera no volver a trabajar en la Unión Soviética.
Lamentablemente enfermó y luego de filmar su última obra Sacrificio en 1986 con la cual vuelve a ganar en el festival de Cannes, esta vez cuatro premios, y en otros festivales de Europa.
Pero dado su delicado estado no puede acudir a las ceremonias donde cerrados aplausos de muchísimos minutos de duración agradecieron su genio y lo despidieron.
Muere sobre finales de ese mismo año en Francia
 
                                      

                           



         Andréi Zviáguintsev


Recientemente su último film Leviathan estuvo nominado al Oscar como mejor película de habla no inglesa. Esto no es por un capricho arbitrario. Zviáguintsev que ha realizado solamente cuatro films, muy a la usanza rusa de no filmar hasta tener todos los detalles bajo control, ha demostrado desde su primer film poseer un talento extraordinario para contar historias de la vida cotidiana condimentadas con algún personaje o hecho más o menos singular. 

En el 2003 estrenó El regreso una película que tuvo una aceptación excelente de crítica y público ganado el León de Oro en el festival de Venecia.
La historia en formato road movie es la historia de dos hermanos que emprenden un viaje supuestamente de pesca con su padre al que apenas conocen por una fotografía ya que ha pasado largos años en prisión, sin embargo sus hijos no lo saben.
La realidad mostrará que si bien el padre se siente satisfecho por el reencuentro, la finalidad del viaje era por motivos más turbios que un inocente día de pesca.
Este film tuvo tanto éxito en Italia que por efecto boomerang terminó convirtiéndose en uno de los films más vistos en su propio país donde primeramente había pasado por las salas con relativo éxito. 

En el 2007 estrena "El destierro" aquí ya podemos comprender que la temática central de sus historias rondará alrededor de la familia, lo cual se confirmará en sus siguientes films Elena del 2011, una película excepcional ganadora del premio especial del jurado en el Festival de Cannes y del premio Golden Eagle a mejor película. Y Leviathan que como dijimos tuvo una nominación al Oscar y a la Palma de Oro en Cannes y ganó el Globo de Oro a la mejor película entre otros 18 premios en diferentes festivales.
                                              
      



        Aleksandr Sokúrov


Considerado el sucesor de Tarkovski por su pulida estética y perfecta composición de imágenes Sokúrov no solo es un maestro del uso de la luz, esencial en fotografía, es también un gran narrador y goza de una capacidad intelectual envidiable para profundizar en la psique de sus personajes. 

Con 63 años no le fueron fáciles sus comienzos, si bien su gran amistad con Tarkovski y el trabajar con él en la realización de sus dos últimos films le granjeó cierta fama y el manejo del oficio al estilo Tarkovski, ya que Sokúrov no estudio cine sino que se graduó en historia y desde este lugar acompañó al gran Tarkovski.
Cuando se dio cuenta que el cine era lo suyo comenzó a rodar una serie de grandes documentales que uno a uno fueron prohibidos por el entonces régimen soviético. El tratamiento de estos documentales todos de carácter muy melancólico no atacaban al sistema soviético pero mostraba el día a día de sus soldados en la marina, en Afganistán y en Turkmenistán y sin dudas no cayeron bien al soviet. 

Luego comenzó su etapa de ficción, muy nutrida por cierto, donde se destaca el film del año 2002 "El arca rusa" que estuviera nominada en el festival de Cannes. Este film se realizó en un solo plano secuencia con la cámara en movimiento sobre un steadycam durante los 90 minutos que tiene de duración y además tiene la característica de ser el primer film realizado en formato digital sin compresión. Es una obra maestra que se rodó exactamente en 90 minutos aunque llevó una larga preparación. 
Sus otros dos films más conocidos son "Fausto" del 2011, una versión del clásico de Goethe ambientada en una aldea rusa. Fausto fue realizada como casi todos sus films con un magro presupuesto (alrededor de 30000 Euros) y ha cosechado muy buenas críticas.
Su film Alexandra del 2007 fluye por esta misma senda de calidad fotográfica y el dinero justo para realizarla.
Recientemente, sobre fines del 2014 se estrenó su última película "Francofonía" una producción con algo más de presupuesto filmada en Francia en el Louvre, y trata sobre la ocupación alemana durante la primera guerra mundial, y el uso y abuso de un militar germano a cargo del museo.  Sokúrov ha realizado varios de sus films en diferentes museos (el Hermitage, el Louvre, el Prado, el British Museum.), siente una predilección por estos lugares además de servirle como genial escenografía para contar sus historias.

                                              



      

        Alexei Popogrebski


Director y guionista cuenta con una corta filmografía compuesta por tres films y a punto de estrenar su cuarto largometraje. Su primer film "Koktebel" realizado en el año 2003 que para Estados Unidos y Europa se estrenara bajo el título "Camino a Koktebel" muestra ya un pulido estilo a pesar de que en ese momento Popogrebski contaba con 30 años de edad. La historia es un drama en formato road movie donde un hombre recientemente viudo y sin trabajo emprende un viaje hacia la ciudad de Kotkebel a orillas del mar negro junto a su pequeño hijo. 

El padre alcohólico empedernido se mete en una seguidilla de problemas, primer al ser descubiertos viajando en tren sin pasajes, por lo que seguirán el trayecto a pie donde son auxiliados por un anciano al que en una discusión de borrachos mata mientras él recibe una herida de bala. Serán auxiliados por una joven médica de la cual se enamora suspendiendo el viaje a pesar de que el niño quería llegar a casa de su tía.
Luego de una discusión el niño escapa y es llevado por un camión a Koktebel donde descubre que su tía se ha marchado.
Su segundo film "Protye Veshchi" fue realizado en el 2007 ha recibido grandes halagos de la crítica y ha sido ganadora de 17 premios entre ellos mejor película en el festival de Sochi. Trata la sordida historia de un anestesista mujeriego y de pocos escrúpulos que como trabajo extra atiende a ancianos en un asilo. Uno de los ancianos es un actor retirado que ante la urgente necesidad de este ávido de conseguir dinero extra para pagar un aborto le propone que lo mate con una sobredosis a cambio de un cuadro considerado una obra maestra.
Y finalmente su hasta ahora último film el cual está disponible en videoclubs de todo el mundo ya que ganó fama al ser nominado al Oso de plata en el festival de Berlín "Cómo terminé este verano" del año 2010 cuya historia se desarrolla en una estación meteorológica en el Ártico y la trama durante casi todo el film es sostenida por dos personajes que conviven en la estación controlando su funcionamiento y haciendo reportes. Uno de los personajes, Sergei, atosiga al otro protagonista llamado Pavel por considerarlo un inútil incapaz de realizar bien cualquier tarea. Pavel siente terror ante la sola presencia de Sergei que cada vez que puede lo golpea con furia. 

Una tarde mientras Sergei se encuentra pescando, le comunican por radio a Pavel que la mujer y el hijo de su compañero han muerto en un accidente. Este temeroso por la reacción que pudiera tener Sergei le oculta la noticia hasta que se hace insostenible y comienza una confrontación que lleva a Pavel a vivir a la intemperie.
Alexei Popogrebski se está erigiendo como uno de los grandes realizadores rusos y es de esperar que alcance renombre mundial en unos años.

         

       Sidney Lumet


Lumet murió en el 2011 dejó como director una herencia de 44 films; todos buenos, algunos excelentes.
Su último film fue en el 2007, "Antes que el diablo sepa que has muerto" protagonizada por Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y Marisa Tomei. Es la historia de dos hermanos desesperados por conseguir dinero rápidamente y sin trabajar. El robo que planean es perfecto, asaltarán la joyería de su padre. 

Es un muy buen film con maravillosas interpretaciones, pero no llegó a estar a la altura de las películas que lo elevaron a la categoría de maestro del cine.
Con "El prestamista" de 1964 Lumet rompe con los códigos morales estadounidenses y logra correr el límite a lo que se podía mostrar y decir en un film de esa época. Además la película resultó un gran éxito, con una interpretación magnifica de Rod Steiger que estuvo nominado al Oscar y al Globo de Oro y ganó el Oso de plata en Berlín.
Pero su gran fama y sus mejores films llegan en los años setenta. En 1973 logra realizar una gran película "Serpico" protagonizada por Al Pacino que ganara el Globo de Oro y el David Donatello por su interpretación. Este film es el primero de Lumet en convertirse en un clásico de la cinematografía mundial.
Seguidamente, en el año 1975 y 1976 llegarían otros dos títulos que rápidamente se convertirían en éxitos de todos los tiempos perdurando al igual que Serpico hasta el día de hoy como verdaderas joyas del cine. En el 75 se estrena "Tarde de perros" también protagonizada por Al Pacino, con la cuál recibe 6 nominaciones al Oscar y gana uno; al mejor guion. Tarde de perros está basada en una historia real y continua la línea de Serpico en cuanto al estilo de cine de denuncia, que estuvo de moda en Hollywood por esos años. 

Al año siguiente consigue su mayor éxito con Network, una comedia satírica sobre los medios de comunicación que gana 4 premios Oscar.
Luego sufre grandes fracasos comerciales, aunque no son malos los films. Logrando un relativo éxito con Equus en 1977, pasó de moda por un breve lapsus.
En 1981 realiza con El príncipe de la ciudad un film enorme, que no fue acompañado por el público sin embargo hoy día es considerado en toda su dimensión. Estuvo protagonizada por Treat Williams y tuvo una nominación al Oscar como mejor guion adaptado.
Su film "El veredicto" de 1984 con Paul Newman y Charlotte Rampling es considerado uno de los cinco mejores dramas judiciales de la historia del cine. Fue nominada a 5 premios Oscar y consiguió un considerable éxito comercial.
"A la mañana siguiente" es otra de las grande películas de Lumet que pasaron sin pena ni gloria y hoy es venerada como uno de los grandes films de los años ochenta. 

Realizada en 1986, cuenta la historia de una actriz alcohólica que despierta en un departamento extraño junto a un cadáver sin saber que pasó. Protagonizada por Jeff Bridges, Jane Fonda, Raúl Juliá y Kathy Bates.
En 1988 "Un lugar en ninguna parte" es un fracaso comercial, sin embargo demuestra por un lado ser una gran película y por otro perfila al River Phoenix como uno de los futuros grandes actores de Hollywood.
En 1989 crea su último gran éxito "Negocios de familia" con Sean Connery, Dustin Hoffman y Matthew Broderick.
Luego le sigue una seguidilla de films que no alcanzan el éxito, hasta 1999 cuando ya con 75 años filma "Gloria" una remake sobre el film de John Cassavetes y dejá de filmar hasta que en el año 2005 recibe un Oscar honorifico por su trayectoria, al año siguiente estrena "Find me guilty" un drama judicial protagonizado por Vin Diesel y Peter Dinklage basado en un hecho real sobre el capomafia Jackie DiNorscio.
Y finalmente en 2007 con "Antes que el diablo sepas que has muerto" nos deja su última película.  
               

          David Fincher

Nacido en Denver en 1962 se dedico desde su juventud a filmar historias.
Como profesional comenzó trabajando en Lucas films donde trabajaba realizando efectos especiales, así participo en Star War episodio IV y en el retorno del Jedi. Mientras comenzaba en forma independiente a realizar video clips musicales para bandas de rock y spot publicitarios, con la productora de su propiedad Propaganda films de la que fue cofundador. 

Su debut en el cine llegó nada menos que dirigiendo la tercera parte de la saga Alien en 1992, cuya primera secuela fuera dirigida por Ridley Scott y la segunda por James Cameron. Con esto entraba al mundo del cine por una puerta muy grande, con este film consiguió una nominación al Oscar a los mejores efectos especiales.
Luego volvió al mundo de los video clips dirigiendo cortos sobre canciones de Aerosmith, Madonna, Michael Jackson, Sting, Roy Orbinson y muchísimos más.
Tres años más tarde, en 1995 dirige su segundo film Se7en, con el cuál alcanza un éxito fabuloso, ganando en renombre alrededor del mundo. Protagonizada por Brad Pitt, Morgan Freeman y Kevin Space, ya mostraba aquí una forma muy particular de contar una historia y de plantear la fotografía de las mismas. Se7en recaudó alrededor de 350 millones de dólares alrededor del mundo, y a pesar de recibir una mala crítica inicial en varios periódicos estadounidenses, fue un éxito total desde su mismo lanzamiento. 

Después de este film Fincher ganó tal popularidad que decididamente podía elegir cualquier proyecto que quisiera con el reparto de su predilección que cualquier productor estaría gustoso por financiar el proyecto.
Llega en 1997 el estreno de The game con Michael Douglas y Sean Penn, donde acrecienta aun mas las atmosferas turbias, de pesadilla opresiva que mostrara en Se7en y Alien.
y consigue otro éxito de taquilla son embargo no es tan grande la repercusión como en su film anterior.
Luego en 1999 llegaría tal vez el mejor film de David Fincher; El club de la pelea, considerado por algunos medios especializados en cine como una de las 10 mejores películas de la historia; puede ser que este título sea en verdad exagerado pero nos da una idea de la repercusión que tuvo el film a nivel mundial. Paradójicamente los productores del film Art Lindson y Fox quedaron totalmente disconformes con la recaudación del film tachándolo de rotundo fracaso, es que la estética de la película y la intrincada trama para el público mayoritario, que gusta ver películas llanas donde todo este explicado y que en lo posible repitan historias contadas cientos de veces con un final predecible, hizo que pasará inadvertida en las primeras semanas de estreno, sin embargo con el correr de los meses el film ganó popularidad por peso propio hasta convertirse en un film de culto.
Durante el año 2000 el film salió a la venta en formato DVD produciéndose un record absoluto de ventas y catapultando el film a ser uno de los más vistos del planeta. 

Para este momento David Fincher por su trabajo en Se7en contaba con millones de adeptos alrededor del mundo que ayudaron a propagar su fama, en esos tiempos prácticamente era tema obligado hablar sobre El club de la pelea.
Los productores a partir de aquí no volverían a dudar del poder convocante de Fincher, que ya transformado en uno de los directores mimados de Hollywood.
Es por eso que cuando en el año 2002 se estrena el buen film La habitación del pánico, que no encuentra eco ni en el público ni en la crítica, Fincher no pierde posiciones dentro de la competitiva cadena de la industria.
La habitación del pánico protagonizada por Jodie Foster y Kristen Stewart como Madre e hija, es la historia de dos mujeres que al ser invadidas por un grupo de asaltantes encabezados por Forest Whitaker y Jared Leto, se encierran en una habitación de su casona, diseñada para esconderse en caso de peligro. Desde aquí resistirán el embate de esta banda que precisamente quiere entrar a ese lugar donde los aguarda un suculento botín. 

A pesar del gran reparto lleno de estrellas y con algunos actores que llegaron luego a convertirse en superstars como Paul Schulze que luego también actuaría en el siguiente film de Fincher, la historia un poco insulsa a contramarcha de lo que hasta aquí había mostrado Fincher con un latente suspenso hasta el final y vueltas de tuerca que descolocaban al espectador, este film es más bien llano y sin sorpresas conociéndose desde el principio la intención de la trama y con un previsible final que deja un gusto amargo tratándose de un film de este director.
En el 2007 con Mark Ruffalo, Robert Downey Jr y Jake Gyllenhaal en los roles principales estrena Zodiac, basada en los hechos reales tomados de la novela del mismo nombre escrita por Robert Graysmith.
La historia gira en torno a la búsqueda de un asesino serial en el área de San Francisco, que dejaba pistas junto a sus víctimas y además enviaba notas con acertijos a los periódicos adelantando los crímenes que iba a cometer, burlándose de la inutilidad policial.
Tratar de encontrar a una mente tan enferma como inteligente no era tarea sencilla, y hoy día sigue siendo uno de los crímenes irresolutos para la justicia estadounidense.
El film no tuvo casi éxito en Estados Unidos a pesar de la buena opinión de la crítica, es que el film se veía como una copia de Se7en y no fue acompañado por el público. En Estados Unidos recaudó 33 millones de dólares y 54 millones de la misma moneda en el resto del mundo, dado que tuvo un presupuesto por encima de los 80 millones de dólares, salieron prácticamente hechos con esta inversión. 

El poder de convocatoria de Fincher se veía en decadencia pero su filmografía no perdió impulso, cuando estrenó El extraño caso de Benjamín Button protagonizado por Brad Pitt y Cate Blanchett en el 2008, la historia enrevesada de un Button que nace con la apariencia de un hombre de 90 años y va rejuveneciendo con el paso del tiempo, causa sensación convirtiéndose en el mayor éxito de taquilla que había tenido hasta entonces.
El film fue nominado a 13 premios Oscar, ganando tres.
En el 2010 estrena un éxito más que seguro, sobre la vida de Mark Zuckemberg y la fundación de Facebook, la película hace una gran recaudación de 224 millones de dólares pero no alcanza la cifra de 350 millones de dólares que se recaudaron con el film anterior.
Un año después, en el 2011 saca otro as de la galera y filma Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, cuyo título original traducido al español sería La chica del dragón tatuado. El film se convierte en un éxito impresionante y posteriormente generará una miniserie para televisión.
Finalmente en el 2014 estrena su última película hasta el momento que también se convierte en su mayor éxito comercial al haber recaudado hasta la fecha y solo en cines alrededor de 350 millones de dólares, Gone girl (Perdida) protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike, cuyo argumento vuelve a sugerir el suspenso y a mantener la intriga hasta el final mismo del film donde una vuelta de tuerca fiel a su estilo también, vuelve a torcer el imprevisible rumbo que había tomado la historia. 

Increíblemente Gone Girl que arrancaba para ser la gran animadora de varios festivales solo obtuvo una nominación al Oscar a mejor actriz para Rosamund Pike.
Hasta la fecha luego de haber realizado una decena de films, ser reconocido por la crítica y el público no ha podido alzarse con ninguna estatuilla en los premios Oscar, justamente lugar donde es considerado uno de los grandes directores de nuestro tiempo.
Al parecer en las elecciones de la academia no son muy propensos a premiar thriller, ni films de suspenso, ya que meritos ha hecho suficientes como para ser reconocido con esta distinción. Seguramente, en el lugar donde prima el dinero este no es motivo para no candidatearlo ya que viene dándole a la industria entradas millonarias muy superiores al presupuesto con la que los realiza. Muchos son los que se inclinan a pensar que al igual que otros grandes directores que se movían por similares géneros, será reconocido un día con un Oscar honorifico a su trayectoria.
Igualmente es poco probable que estos temas quiten el sueño a alguien que nació para hacer películas.
Estén atentos Fincher vuelve a filmar en breve. 


                                                          





Kaneto Shindó


 Kaneto Shindó murió en el 2012 a los cien años. Tiempo suficiente para poder filmar 48 películas y escribir 238 guiones. Destacamos dos de sus mejores obras Onibaba y Kuroneko ambientadas en tiempos de la guerra de samurais.
Gran parte de sus films son protagonizados por personajes femeninos de mucho carácter, enfrentadas por alguna circunstancia a los hombres.
Generalmente designios sobrenaturales o atmósferas metafísicas envuelven sus historias.
La fotografía de Shindó roza lo magnifico sobre todo en sus films en blanco y negro de los años sesenta. No teme al uso de iluminaciones teatrales a la hora de rodar sus escenas. Con esto logra una estética muy particular y personal, creando climas y resaltando coreografías espectaculares, sin el uso de grandes recursos económicos para decorar las ambientaciones. Fue sin dudas un cineasta independiente, que hizo uso de todo tipo de recursos para paliar el bajo presupuesto de sus obras convirtiéndolas en verdaderas joyas del cine   

 Otros de sus films que recomendamos ver son: Hijos de Hiroshima, Wolf, Epitome, La isla desnuda, líbido.
Todos films de los años cincuenta y sesenta, tal vez la mejor época de Shindó.                         

                     Aki Kaurismaki




Kaurismäki nació en Finlandia hace 57 años, estudió cine e hizo sus primeros pasos como asistente de su hermano mayor Mika.
Si bien tanto Aki como Mika tienen algunos puntos en común, el mayor de los Kaurismäki carece del pesimismo de Aki. Pesimismo con alguna luz de esperanza o una redención final de los personajes. Característica sobresaliente en su cine.
Sostiene sus films más allá de la historia con los particulares personajes que mantienen el estereotipo a lo largo de toda su extensa obra minimalista en extremo. Marcados por la pobreza, la desilusión, el idealismo utópico,  de lenguaje seco y acotado, sin grandes demostraciones afectivas, de largos silencios, excedidos en el consumo de tabaco y alcohol, pero sobre todo en tabaco. En sus films todos los personajes fuman un cigarrillo tras otro. Es raro ver en su cine una secuencia donde no haya un personaje pitando un cigarrillo. 

El carácter netamente existencialista y melancólico lo aleja de lo romántico y de hecho cuando está su presencia es gris, muy gris. Es evidente la influencia de este clima y ánimo de los personajes la melodía del tango finlandés y en menor medida argentino que son la constante musical en todas sus películas.
Junto a Mika han fundado el Midnight sun festival, un festival de cine que se realiza en Sodankylä un pequeño pueblo de 8 mil habitantes en el corazón de la Laponia finlandesa. Así mismo con su hermano son los dueños de la productora con la que ambos han realizado todos sus films llamada Ville Alpha nombre que hace referencia al film de Godard: Alphaville luego rebautizada Sputnik Oy.
Con 16 películas realizadas más un buen puñado de cortos, un documental y un recital corolario de sus film Leningrado cowboys, Kaurismäki sostiene que solo le quedan dos films más por realizar y las dos primeras décadas del cine por ver y luego morir. Dado sus excesos con el tabaco y el alcohol lamentablemente lo que sostiene no está muy apartado de la realidad.
Claro que los fans a esta altura deben estar desesperadamente ávidos de ver un nuevo film, el segundo de la trilogía que ha prometido y comenzara con Le Havre allá por el lejano 2011.
Desde el comienzo de su carrera hasta la fecha ha mantenido el mismo grupo de actores alimentando el reparto de sus diferentes films, algunos se han ido otros empezaron más tarde pero básicamente Kaurismäki gusta de rodar con un plantel conocido de actores que ya conocen sus berretines y su poco apego a los guiones detallados.
Su primer film Crimen y castigo de 1983, es una adaptación personal de la novela de Dostoievski ambientada en la Helsinki de esos años 80´. El protagonista luego de cometer un asesinato se auto-recrimina el hecho siendo él un defensor de la ley se tortura dándole vueltas a sus contradicciones y paranoico con que la policía descubre su crimen. Si bien la policía sospecha de él finalmente sin pruebas deja de investigarlo. Al mismo tiempo él se da cuenta que la única forma de sacarse la culpa es recibiendo el merecido castigo, entregándose así a las autoridades para ir a prisión.   
En 1985 filma en blanco y negro tal vez el más flojo de sus films; "Calamari Union" aunque la idea sea particularmente original, muy representativo del sentimiento de la juventud rebelde de los años 80, por lo que rápidamente se convirtió en un film de culto en la escena underground europea. Una remake hecha en estados Unidos en forma independiente y con bajo presupuesto se estrenó a principios del 2014 con peor suerte que la original.
Una cofradía de Frank´s se une para escapar de Helsinki empleando cuanto medio de transporte esté a su alcance. Luchando contra sus propias limitaciones económicas el film comienza con Frank en una especie de misa negra o pagana en el subterráneo de la ciudad dando detalles del plan de huída y repartiendo a modo de sacramentos la parte en la división equitativa de monedas entre todos los Frank.
Pero salir de Helsinki no solo es imposible, una oscura mano va aniquilando uno a uno a todos los Frank hasta que los últimos dos hacen el intento de llegar a Estonia en un bote a remos.
Sombras en el paraíso de 1986 es una triste historia de amor entre un recolector de basura y una cajera de supermercado. La primera de una trilogía muy al estilo Kaurismäki ya que la única conexión posible entre las tres historias (las otras dos son Ariel y La chica de la fábrica de fósforos) son la búsqueda del amor y el escape para recomenzar otro tipo de vida. 

Sombras en el paraíso cuenta sobre los sueños, las proyecciones que una persona hace sobre su futuro y como van derrumbándose uno a uno todos los sueños hasta dejarlos expuestos y desnudos ante la crueldad del mundo. Pero con el deseo positivo de que encontrando un compañero con el cual repartir el peso de la vida todo será más fácil.
Hamlet va en viaje de negocios (1987) una reinterpretación de la obra de Shakespeare donde la crítica certera al capitalismo salvaje y al libre mercado marca el film de principio a fin. Con el típico humor y sus personajes insensibles e inexpresivos que interpretando Hamlet no puede ser menos que absurdo, pero un absurdo pensado al detalle convirtiendo esta película en una obra de arte y una de las mejores versiones que se puedan haber hecho de esta obra.
El tío de Hamlet mata a su padre y se casa con su madre para tomar el control de la fabrica familiar de patitos de goma. Hamlet ajeno al hecho, una noche recibe la visita del fantasma de su padre quien lo pone al tanto de los hechos.

Ariel de 1988 es la segunda película de la primera trilogía, la trilogía obrera. Otro film emblemático que fuera el primer premio que ganará con un film, en el festival de cine de Moscú.
Tasto Kasurinen trabaja en una mina en el interior de Finlandia, hasta que esta cierra y despide al personal. El padre toda la vida minero, se suicida en el baño de un bar dejando a Tasto como herencia su auto descapotable y la derruida casa.
Tasto retira sus ahorros del banco y se muda a Helsinki llevando el auto y su campera de cuero.
Pero la inocencia provinciana primero hace que le roben el dinero y luego al tratar de recuperarlo terminar él en prisión. Esto luego de conocer a una aplicada mujer que trabaja todo el día para criar a su pequeño hijo sin padre y que busca un marido.
Tasto se compromete con ella y decide casarse cuando salga de prisión, pero no quiere esperar toda la condena. Con la ayuda de su novia escapan junto a su compañero de celda con la resuelta idea de huir a Brasil en un barco. Para esto necesitarán pasaportes falsos y una considerable suma que piensan conseguir haciendo un asalto para la mafia local.

Los cowboys de Leningrado van a América de 1989
Con este film de humor ridículo y plenamente musical Kaurismäki se hizo conocer en gran parte del mundo, y seguramente la breve aparición de Jim Jarmush interpretando a un vendedor de automóviles usados influyó en eso.
Un grupo de música popular rusa da una audición para un sello discográfico en un establo de Siberia. El productor les recomienda ir a Estados Unidos porque allí la gente escucha cualquier porquería.
El representante de la banda un Stalin tiránico, y hermano mayor de los integrantes de la banda pide dinero al padre de la gran familia para el viaje. Este acepta financiar el viaje con la condición de que lleven con ellos a uno de los hermanos muertos, bajista de la banda, quién pasando toda la noche practicando con su bajo a la intemperie quedó congelado.
Así lo hacen, pero al llegar a Estados Unidos se dan cuenta que su música allí no corre, compran entonces una revista donde se explica cómo tocar rock and roll y cambian de género musical.
Un productor de poca monta, primo del productor que los enviara a América, les consigue un concierto en un casamiento en México.
El hermano bobo del grupo, al que prohibieron viajar con ellos se las ingenia para seguirlos hasta Nueva York y luego no perderles pisada durante el resto del viaje.
Con el poco dinero que tienen compran un desecho automóvil, a Jim Jarmush, y emprenden el viaje a México, haciendo un recorrido por la parte más pobre de los Estados Unidos y mostrando su miseria, van tocando de bar en bar de ciudad en ciudad hasta que al llegar a destino luego de tocar en el casamiento la adicción al tequila primero los convierte en vagabundos y luego hace que mueran casi todos los integrantes.
Como el hermano mayor y representante sufre un ataque místico producido por consumir jugo de un cactus y se retira en un viaje espiritual a meditar al desierto, el hermano bobo se hace cargo del resto de la familia que sumidos en el alcoholismo no pueden valerse por sus propios medios.

La chica de la fábrica de fósforos
En 1990 Kaurimäki realiza dos films, los dos tienen la misma esencia pero sus personajes resuelven la situación de forma distinta.
En la chica de la fábrica de fósforos Kati Outinen interpreta a una joven que vive con sus padres de clase baja, ella trabaja justamente en una fábrica de fósforos entregando el sueldo a sus padres para que estos puedan pagar el alquiler y otros gastos mundanos. No es muy agraciada por lo que en los bailes nadie la invita a bailar. Hasta que un día un hombre adinerado baila con ella, la lleva a su casa, la embaraza y al conocer su realidad social la deja, amén de ser un mujeriego.
Sus padres al enterarse la culpan y la echan de la casa.
Su hermano mayor y soltero con espíritu adolescente le da un lugar en su pequeño departamento.
Pierde el embarazo. El dolor por sentirse usada, por el rechazo, por ser pobre, la mueve a tomar una decisión extrema.
Comprando veneno para ratas prepara un concentrado en una botella; con esto visita al hombre que la ha usado con la excusa de devolver un cheque que le pasará para lavar sus culpas. Haciendo un brindis de despedida, lo envenena. Visita a sus padres preparándoles una exquisita cena también envenenando las bebidas. En un bar envenena a un borracho acosador.
Tal vez de no ser arrestada en su lugar de trabajo se hubiera convertido en una justiciera exacerbada echando veneno a todo aquel que no le cayera en gracia. 
Esta es la tercer secuela de la trilogía proletaria.


Contraté un asesino a sueldo
El otro film realizado en 1990, con el rol protagónico de Jean Pier Leaud actor fetiche de Truffaut y de Godard y que también actuara con otros grandes directores como Bertolucci, es una comedia extremadamente negra filmada en blanco y negro.
Un francés habitante de Londres por más de veinte años, no ha logrado hacer un solo amigo. Sus compañeros de trabajo en una oficina, todos ingleses, le son esquivos por su condición de francés.
Sumado a su carácter taciturno y de pocas palabras vive para sus plantas. Nunca ha bebido ni fumado, ni ha hecho nada fuera de su vida conservadora.
Hasta que un día sin previo aviso por una reforma estructural la empresa lo despide dándole como premio un reloj que no funciona.
Deprimido, sin un futuro digno a la vista decide suicidarse.
Intenta con inhalar gas abriendo las perillas de la cocina y metiendo la cabeza en el horno, pero dada la falta de pago en el servicio se lo han cortado. Por esto poniendo un clavo en la pared y atándole una soga intenta ahorcarse, claro que el clavo no resiste su peso y cae al piso.
Ya de la tristeza ha pasado a un estado de hundimiento. Luego de meditarlo mucho y dada su inutilidad práctica decide retirar todos sus ahorros del banco y conseguir un asesino que lo mate.
Llevado por un taxista a un sórdido bar en los suburbios, da con una organización de hampones que aceptan sorprendidos el encargo. Sin embargo dos de estos delincuentes de poca monta intentan convencerlo para que cambie de opinión invitándolo a beber con ellos. Apenas si prueba el alcohol pero logra cierta empatía con estos sujetos. Así y todo no desiste de su decisión.
Al otro día cansado de esperar la llegada del asesino va a un bar cercano a tomar un té, no sin antes dejarle un aviso en la puerta al asesino.
En el bar pide un té pero luego, dándose cuenta que tal vez sea su última salida compra cigarrillos y whisky. Borracho y entabacado medita sobre su silla en el bar hasta que una bella mujer vendedora de flores le ofrece su mercadería. Conversan, él se siente atraído por ella, ella por él.
Y se da cuenta que no quiere morir.
Al contarle esto a la mujer, lo convence de ir al lugar donde contratara al asesino para deshacer el trato. Al llegar al lugar se encuentran que no solo han demolido el bar sino que también todo el barrio.
Desesperado por su suerte se instalan en un hotel.
El asesino, que es implacable, amargado, melancólico, tiene una enfermedad terminal. Su deseo es dejarle algo de dinero a su hija adolescente lo que puede conseguir con este trabajo.
Comenzará así una persecución donde perseguido y perseguidor son víctimas de un sistema opresivo, habitantes de un sistema cruel donde ambos son perdedores. El asesino sin esperanzas, la víctima a la que le ha renacido la alegría de vivir gracias a los encantos de una mujer, deben luchar especialmente contra sí mismos, para aceptar el destino que les aguarda.   


La vida de los bohemios
 En 1992 Kaurismäki realiza un film emblemático sobre la vida de tres artistas, que representan a la perfección a un colectivo universal. Es la historia de tres artistas sin suerte, muy pobres y con poco y nada de ganas de trabajar en otra cosa que no sea su arte, lo que hacen a cuenta gotas, o mejor dicho solo los días en que tienen inspiración. El resto del tiempo lo usan para beber y conocer mujeres, las cuales por su condición carente de estabilidad económica y emocional no les duran. Aunque cada uno ejerce un arte distinto, no podía ser que pasarán la vida sin conocerse viviendo los tres en París de los años 90 pero bien pudiendo ser habitantes de los años veinte, la esencia de este estereotipo de hombres se mantiene inalterable desde el principio de los tiempos.
Uno es un pintor albanés que habita ilegalmente París, vendiendo algún que otro cuadro es el de los tres el que corre con mejor suerte, otro es un músico experimental totalmente ajeno al dinero pero no a los vicios que puedan pagarle los demás. El tercero es un escritor Marcel Marx, interpretado por André Wilms, este personaje volverá a ser utilizado por  Kaurismäki 19 años después en su film del 2011 y último por ahora, Le Havre en el rol protagónico.
Marcel Marx es desalojado de su pequeño departamento por falta de pago, dejando sus pertenencias como garantía. No queriendo venderse como otra cosa que no sea escritor, vive de la recolección y venta de botellas de vidrio, con esto logra unas magras ganancias con las que apenas puede pagarse unos tragos. El departamento dejado por él es alquilado casualmente por el músico, que es irlandés, se llama Schaunard y posee las mismas cualidades que Marcel.
Esa noche Marcel entra en un bar y pide un vaso de vino y media trucha, pero el pintor albanés Rodolfo sentado a una mesa está por comerse la última. Solidario como es la comparte con Marcel y entre trago y trago y varias botellas nace la amistad.
Marcel olvidando que fuera desalojado lo invita a su casa sorprendiéndose del cambio de cerradura primero, y cuando abre la puerta Schaunard de que este muy descaradamente vaya vestido con su bata y fumando de su pipa.
Los tres se reconocen como iguales y dado que llevaban un par de botellas se entretienen bebiendo y contando historias.
Así nace una amistad inquebrantable que los llevará a superar juntos la gran crisis que se avecina.
La historia contada con un finísimo humor negro, prácticamente pasó desapercibida al mundo hasta hace poco cuando la obra de Kaurismäki comenzó a cobrar importancia.
El éxito de su estreno solo lo obtuvo en Finlandia dada la popularidad de este en su propio país pero por sobre todo la de los actores Kari Väänänen que interpreta a Schaunard y sobre todo la de Mati Pellompää interpretando a Rodolfo personaje con el cual ganó el premio de la Academia de Cine Europeo al mejor actor de 1992.   

Toma tu pañuelo Tatiana
También conocida como Agarra tu pañuelo Tatiana de 1994, es una comedia hecha en blanco y negro donde el "estilo" Kaurismäki de personajes contenidos y cámara sin movimientos está en su esplendor máximo.
Un joven, no tan joven, que vive con su madre y se pasa el día sentado a una máquina de coser fabricando ropa en forma artesanal trabajando para su madre a cambio de café, se revela un día cuando se acaba la provisión y su madre se niega a comprar más.
Valto entonces encierra a su madre en el placard y llevándose todo el dinero primero toma un café en el bar, luego compra un paquete grande y finalmente se dirige al taller mecánico a buscar su automóvil. El mecánico, alcohólico empedernido y fanático como Valto de la música de rock and roll, se deshace de unas piezas que no puede encajar y da marcha al móvil. Valto paga el arreglo pero antes desea que den una vuelta para probarlo. Así viajando sin rumbo, encuentran a dos jóvenes rusas haciendo autostop con el tiempo contado para llegar al puerto y tomar el barco que las lleve a su país.
El film se transforma así en una road movie camino a dejar a las muchachas en el puerto.
Ellos que son poco expresivos solo se dedican a beber café y cerveza según cada uno sin ahondar en la relación con las féminas de la cual gustan pero dada su frialdad y espíritu rockero no intiman.
Las muchachas aburridas trataran de acercarse durante el viaje sin lograrlo, hasta llegar al puerto donde ellos abordarán junto a ellas el barco acompañándolas hasta su hogar. Finalmente el mecánico se quedará a vivir con una de las muchachas, mientras Valto volverá a su casa a liberar a su madre del placard y seguir cosiendo ropa.

Leningrad cowboys meet Moses
Los cowboys de Leningrado conocen a Moisés de 1994 es la segunda secuela de la popular Leningrad Cowboys go America del año 1989.
Fue tal el suceso de está road movie que la banda en la ficción quedó oficializada en la realidad convirtiéndose en una de las más populares de Finlandia.
La historia comienza con los pocos sobrevivientes de la banda recibiendo un telegrama con un contrato para tocar en Nueva York. Totalmente devastados por el tequila han sobrevivido gracias a las peripecias del hermano bobo, y ahora este es el que apronta el regreso a los Estados Unidos.
El desaparecido manager de la banda quién merced al jugo de cactus bebido cinco años atrás en un rapto de misticismo se internara en el desierto regresa está detrás del telegrama.
Ha regresado convertido en profeta, en el profeta Moisés, su larga barba y cabellera lo acreditan, además del aire místico y la biblia que lleva bajo el brazo.
La misión que tiene preparada a sus hermanos es la del regreso a casa, a la fría estepa siberiana.
Pero no puede volver con las manos vacías, deben llevar un regalo a sus parientes para que le crean que estuvieron en América. Y qué mejor regalo puede ser que el llevarles un ícono de los Estado Unidos o un pedazo al menos.
Monta a sus hermanos en un pequeño bote para que atraviesen el océano a remo mientras él viaja en avión, colgado del ala de un avión con la nariz de la estatua de la libertad, la que hábilmente han serruchado.
Marcadas las coordenadas, Moisés se arroja con la nariz al océano para ser rescatado por sus hermanos en el bote y así llegar a la costa de Britania donde los esperan sus primos con una furgoneta.
Ante la magnitud del robo la CIA despliega a uno de sus hombres en Francia para que dé con ellos.
Este disfrazado de como el profeta Abraham se infiltrará en el grupo, luego de fracasar en varios intentos.  
Pero no podrá contra la peligrosa inoperancia del grupo, ni con la astucia tiránica de Moisés.
Resignado terminará sus días en Siberia bebiendo junto a la banda.

Nubes Pasajeras

De 1996. Una historia de amor, una pareja de trabajadores en plena crisis donde ella es la encargada de un antiguo restaurant de Helsinki y él un correcto conductor de tranvías quién al final de su recorrido pasa por ella cuando sale del trabajo. Todo es una encantadora rutina que desearían mantener por siempre pero dada la crisis primero por un ajuste de personal él se queda sin trabajo, justo cuando había comprado un sillón y un televisor en cuotas.
Ella sostiene la casa por un tiempo mientras él deprimido apenas si busca trabajo.
Por un problema con el banco el restaurant debe ser vendido. Los nuevos dueños echan a todo el personal y entran verdaderamente en crisis.
Pero como hombre de la casa el sale a conseguir un trabajo cueste lo que cueste, y lo consigue: conductor de micros de larga distancia.
Todo está arreglado pero en la revisación le diagnostican una potencial sordera de un oído por lo cual no es aceptado y peor aún le retiran el permiso de conducir.
Ella mas practica consigue trabajo en un bar cuyo dueño es un hampón sin escrúpulos y la explota a más no poder.
La depresión, la desesperación juegan contra la esperanza y el no bajar los brazos.
El resto de los empleados del restaurant están entregados, el cocinero borracho vive como un indigente en la calle, el portero se ha convertido en zapatero y espera ser despedido por no conocer el oficio. Se consuelan hacen planes, deciden pedir un préstamo en un banco para abrir un restaurante pero no tienen garantía con la casa hipotecada, el automóvil vendido para poder comer y solo con amigos pobres.
Sin embargo a veces hay milagros, y los problemas a los que aduce el título son solo nubes pasajeras. La antigua dueña del restaurant donde trabajara toda su vida, con la que se ha cruzado por casualidad en una peluquería donde fue a buscar trabajo, le dará un préstamo para abrir un restaurant al que llamarán "Los trabajadores" . Se abocan a acondicionar un local y a juntar a los antiguos empleados, internan al cocinero en una clínica de rehabilitación y cuando todo está listo abren sus puertas, esta vez con un emprendimiento propio.
Este film, que es tal vez el más optimista de los que ha realizado Kaurismäki, según sus propias palabras lo ha hecho durante la etapa más pesimista de su vida, tal vez como un antídoto a sus males existenciales.

Juha
En 1999 Kaurismäki se da el gran gusto de su vida y filma una película muda: Juha.
Fanático confeso del cine de los primeros tiempos, al blanco y negro de algunos de sus films le faltaba esto.
Sin dudas aquí debe cambiar su enfoque en cuanto a la caracterización de los personajes de su cine, generalmente inexpresivos y carentes de emociones o de emociones reprimidas. Un personaje mudo necesita comunicar a través de la expresión de sus ojos y gestualidad de su cara y cuerpo, usar otro tipo de lenguaje del cual Kaurismäki nunca había hecho uso.
La historia, simple como todas sus historias, habla también sobre la simpleza de la vida y el partido que de ello hacen los vivillos. 
En este caso un rustico agricultor, extremadamente fuerte y así como fuerte dulce pero muy tosco casado con una joven inocente que ama la vida simple del campo.
Pero un día el destino trae un inescrupuloso ser de la ciudad cuyo automóvil deportivo se a averiado, el rustico granjero no solo lo arregla sino que además invita a comer y a dormir al forastero. Este desagradecido truhán intenta seducir a la joven con falsas promesas quiere sacarla de allí. La joven rechaza la propuesta pero la semilla está sembrada, al otro día el malévolo se va prometiendo volver y la joven arde en deseos de ser una mujer de ciudad con glamur.
Comienza a gastar su tiempo leyendo revistas del corazón y sobre moda, a gastar el dinero en maquillaje y ropa y a mostrarse antipática hacia su marido el que a su nueva mirada le parece un cavernícola alcohólico.
Aburrida y deseando pasa los días y se lo hace notar a su esposo quien al no saber cómo remediar aquello, bebe más de lo habitual.
Un día el truhán regresa con la intención de llevarse a la joven y lo hace, emborracha a su marido hasta dejarlo planchado y se la lleva en su convertible último modelo. Se le nota en la cara las non sanctas intenciones y se ve en sus ojos el desprecio que siente hacia la joven.
La lleva sí, pero no para que sea su esposa, la esclavizará en una boîte de su propiedad.
El marido al despertar no entiende, o entiende pero no quiere pensar, trata de olvidarla y sin embargo siente que algo no anda bien. Luego de darle muchas vueltas al asunto, demasiado decide ir por ella y traerla de regreso, al fin y al cabo es su esposa.
A pasado tanto tiempo hasta decidirse que ella ya tiene un hijo, vaya a saber de qué cliente...
Da con la boîte, la libera, ella se va con su pequeño hijo, el saciará su sed de venganza.  Se enfrenta a los matones del truhán desmayándolos fácilmente con su fuerza sobrehumana y su hacha de mano, el truhán lo hiere mortalmente de un disparo en el corazón pero no muere aún, mata al truhán y se va, camina hasta llegar a un basurero donde sus fuerzas flaquean, cae. Muere sobre una montaña de basura.

Un hombre sin pasado
En el año 2002 llega el reconocimiento mundial para Kaurismäki con El hombre sin pasado consigue realizar la mejor película de ese año, ganadora del Festival de Cannes y con una nominación al Oscar a mejor película extranjera que hubiese ganado si Kaurismäki no hubiese desestimado esta nominación por el poco amor que siente a todo lo producido por Hollywood y al circo que estos montan para premiarse entre ellos la basura que producen.
Demás está decir pero igual comento que con esta acción ganó más popularidad que si hubiera ganado el premio, aunque muy seguramente a él que solo se dedica a hacer lo que le gusta, como le gusta y cuando tiene ganas esto le resbala en gran medida, no del todo porque de algo hay que vivir.
Pero más allá de cualquier controversia Un hombre sin pasado es una película enorme, escondida en la simplicidad y en la economía de recursos características de su cine.
La historia, con la descomunales actuaciones de Markku Peltola y Kati Outinen dos de sus actores de siempre, comienza con un hombre llegando con una maleta a Helsinki y sentándose en el banco de una plaza. Acto seguido un grupo de bandoleros lo muelen a palos con un bate de beisbol y le roban sus pertenencias.
Como puede llega a un baño público donde pierde el conocimiento, lo internan, hacen lo posible pero muere. Minutos más tarde resucita, se endereza la nariz quebrada, se viste y se va. Al llegar a los suburbios sobre la costa se desmaya nuevamente a orillas del mar. Un borracho que por allí pasaba le roba las botas, unos niños que llevaban agua a su humilde hogar lo rescatan.
Sus padres lo atienden en el conteiner que tienen como casa hasta que se recupera.
No recuerda quien es, ni donde vivía, ni cómo llegó hasta allí. Debe recomenzar una nueva vida, alquila un conteiner vacio por la muerte del inquilino anterior, el locador es el guardia de seguridad de ese sector del puerto que clandestinamente alquila como vivienda los conteiner a los indigentes que puedan pagarlo. El guardia es un tipo en apariencia duro, amenazante y sin amigos, sin embargo resulta ser el personaje tierno del film.
En el ejército de salvación encuentra ropa, trabajo y una mujer de la cual se enamora; Irma.
Todo irá mejorando, su relación con Irma termina encaminándose hacia el matrimonio pero un día llega la policía con una pésima noticia; han descubierto su identidad. Es un hombre casado y como tal debe volver a su hogar.
A pesar de todo el final será feliz.

Luces al atardecer

En el año 2006 Aki Kaurismäki vuelve a presentar un film luego de cuatro años, acentuando así los intervalos entre película y película. 
Luces al atardecer está protagonizada por actores ajenos a sus clásicos fetiches, pero con la participación en pequeños papeles de Kati Outinen como una cajera de supermercado y Juhani Niemelä como inspector de policía. 
Koistinen interpretado por Janne Hyytiäinen que tuviera una pequeña aparición en "Un hombre sin pasado" tiene un trabajo como guardia de seguridad en un gran centro comercial. Como muchos de los personajes de Kaurismäki la soledad hace mella y provoca ese vacío tan bien expresado por el tango, de ahí que Carlos Gardel esté presente en el film con sus canciones.
Hay una mujer que le atrae sobremanera, pero no es una mujer para un tipo como él, eso se nota. Es que Koistinen es un tipo simple, conservador; es además una persona correcta que no haría nada fuera de lugar.
Ella se llama Mirja, es una mujer que por un buen pasar a usado su belleza para casarse con un mafioso importante, pero está aburrida de la falta de atención de este. Aprovecha entonces el interés de Koistinen para pasear por Helsinki y darle celos a su marido. En algún punto Koistinen lo atrae, en la diferencias, pero de a poco se va dando cuenta que es una persona demasiado simple para ella y  además pobre.
Koistinen sueña con salir de esa pobreza montando su propia empresa de seguridad, algo de lo que habla con la dueña del carrito donde suele detenerse a comer salchichas. Ella llamada Aila si está enamorada de Koistinen y sufre al ver que este la ignora por completo, tanto que ni siquiera registra su interés.
El marido de Mirja llamado Lindholm (Ilkka Koivula) al enterarse que su mujer anda en estos menesteres lejos de mostrar preocupación, tal calidad de capo-mafia , decide usar la situación para beneficio propio.
Manda a Mirja a encontrarse con Koistinen en su recorrido por el centro comercial, y así logra averiguar la clave de la alarma de una joyería la cual es desvalijada por sus secuaces.
Como Lindholm es muy malo y no dejará impune que alguien coquetee con su esposa la manda a esta con algunas de las joyas robadas para que se las plante a Koistinen en su casa, luego da aviso a la policía.
Koistinen es sentenciado a prisión, Aila le escribe pero él destruye las cartas, finalmente sale en libertad y logra esforzadamente conseguir trabajo en un restaurante. Todo parece ir viento en popa hasta que un día Lindholm y Mirja van a cenar a ese sitio y lo ven.
Lindholm que ya lo dijimos es malo, por algún problema no resuelto en su niñez seguramente, le cuenta al encargado lo del robo de joyas y la cárcel. Koistinen es despedido, herido en su amor propio y ante tal injusticia, masticando bronca afila un cuchillo contra una taza de té e intenta matarlo pero como es un pobre tipo sin suerte solo logra hacerle un corte en la mano. Lindholm ordena a sus guardaespaldas que le den una paliza inolvidable y así lo hacen.
Aila se entera por un niño donde ha quedado malherido y va en su busqueda.
Koistinen finalmente se deja ayudar por Aila y tal vez se da cuenta que es ella el amor de su vida.

Le Havre
André Wilms compuso su personaje Marcel Marx para el film La vida de Bohemia en 1992, nunca imaginó que en el 2011 volvería a interpretarlo nuevamente pero en un contexto totalmente distinto.
Nada ha quedado de aquel escritor de Paris, ni siquiera Paris. Ahora ya viejo vive en Le Havre sobreviviendo apenas como lustrabotas. Es que ya casi nadie va de zapatos, ahora todos usan calzado de lona o telas sintéticas.
Ha encontrado el amor de su vida, casado con Arletti (Kati Outinen) parece ser feliz o relativamente.
No ha perdido su visión progresista del mundo, su apellido Marx se lo impide. Así se indigna cuando arrestan a inmigrantes africanos ilegales y la prensa monta un show para vender la noticia, ahora son todos terroristas islámicos.
Por esos días en un conteiner descubrieron un grupo de inmigrantes ilegales que por error fueron dejados en Le Havre cuando su destino era Londres.
La policía monta un gran operativo, pese a esto un niño logra escapar del cerco.
La casualidad hace que Marcel se lo cruce en un muelle cuando se disponía a comer un sándwich, el niño se escabulle pero, como no podía ser de otro modo, Marcel le deja su comida y algo de dinero.
El niño que no conoce a nadie lo sigue sin que él lo sepa.
Cuando Marcel llega a su casa Arletti está mal, de urgencia hay que llevarla a un hospital donde queda internada solo un milagro podrá salvarla.
Marcel regresa a casa y se encuentra al niño, que es buscado por toda la policía de Le Havre incluido el implacable Inspector Monet.
El vecino de Marcel un buchón interpretado por Jean Pier Léaud ve al niño y avisa a la policía, pero la velocidad mental de Monet ya había dilucidado donde estaba el niño. Como además de implacable es una buena persona le avisa a Marcel que la policía vendrá a buscar al niño.
Marcel visita al abuelo del niño en un centro de detención y se entera la historia del niño por su boca. Así decide junto a sus amigos organizar un recital con la actuación de Little Bob y juntar fondos para embarcar al niño a Londres a reencontrarse con su madre.
Pero nada es fácil, la novia de Little Bob lo ha dejado por insufrible y este ha prometido no volver a cantar nunca más si no lo perdona y vuelven a estar juntos.
Marcel entonces deberá destrabar está situación para poder seguir destrabando todos los inconvenientes que se han suscitado y todo esto esperando el milagro de la recuperación de Arletti.













         Michael Haneke




 Director de cine austriaco ganador del Oscar a la mejor película extranjera con Amour en el 2012. 
Su film La cinta blanca ganó la palma de oro del festival de Cannes y el globo de oro a la mejor película extranjera.
Sin embargo su gran filmografía se remonta al año 1989 debutando con el film el séptimo continente, el que también es magnifico.

 FILMOGRAFíA: 

 1989 Der siebente Kontinent - El séptimo continente
1992 Benny's Video - El video de Benny
1994 71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls - 71 fragmentos de una cronología del azar
1995 Der Kopf des Mohren - La cabeza del moro (guión) 
1997 Funny Games
1997 Das Schloß - El castillo
2000 Code Inconnu: Recit Incomplet De Divers Voyages - Código desconocido
2001 La Pianiste - La pianista
2003 Le Temps du Loup - El tiempo del lobo
2005 Caché o Escondido 
2007 Funny Games, remake U.S. 
2009 Das Weiße Band - La cinta blanca 
2012 Amour

                                   Amour trailer
                                             
   


























                          Béla Tarr


El gran maestro de la fotografía, con su implacable cámara de movimiento perpetuo se ha retirado, colgó la cámara, se jubiló. Pero solo tiene 59 años, aún puede arrepentirse y volver. Él dice que no.
Su último film "El caballo de Turín" es una obra sublime, y como corolario la mejor en todo sentido de sus producciones.
Rodada al igual que todas sus películas en un blanco y negro que rebalsa la imagen de matices, cuenta una sórdida historia con la simplicidad que solamente puede lograr un maestro.
Protagonizada por sus dos fetiches, encarnando a un padre carrero y a una hija subyugada y destinada a servirlo en la miseria de sus vidas sin palabras, sin gestos amables, de monotonía y depresión.
El ritmo opresivo que marca el carácter del padre dominante, el servicial y resignado esfuerzo de la hija por mantener y cuidar del padre y del caballo, que es su medio de vida,  la pobreza que aflora por todos los rincones de esa casa de piedra semiderruida desde donde emana una extraña belleza, una presencia que se destaca entre la tierra que trae el viento. Este viento incesante que es la melodía repetida y machacante que asola el film desde el comienzo hasta el fin.
No abundan los cineastas que dominen con tanta perfección el arte de la fotografía, como este húngaro supo hacerlo en sus películas.
"El caballo de Turín", "El hombre de Londres", "Satántangó",  "La condena", "Las Armonías Werkmeister", "Nido familiar", "Gente prefabricada", "Almanaque de otoño" y su adaptación de Macbeth para la televisión; todas obras maestras de la cinematografía.
Béla Tarr se crio en Budapest, de niño fue actor, a los ocho años comenzó su carrera actoral que terminó dos películas después aún siendo un niño. Ser actor no era lo que deseaba, su sueño era estudiar filosofía.
Afortunadamente para el cine, el partido comunista que gobernaba Hungría decidía quiénes eran aptos para una u otra carrera a seguir en las universidades del estado, y a Béla Tarr le negaron la posibilidad de ser filósofo titulado. Por eso tomó la cámara, herramienta que ya había probado haciendo un pequeño documental solo por el gusto de hacerlo.
Así comenzó a rodar varios documentales sobre la vida de los trabajadores, la gente humilde, los gitanos y distintos grupos marginales de su nación.
Con esto logró llamar la atención de los Estudios Béla Balázs que produjeron su primer film cuando apenas tenía cumplidos 22 años.
Después de su primer film llamado "Nido familiar" Tarr se mete de lleno a estudiar cine en la Escuela Húngara de Artes.
Filmaba sin presupuesto y con actores aficionados, generalmente amigos y conocidos y tratando de terminar el rodaje en unos pocos días.
Su segundo film fue "Gente prefabricada" al igual que el primer film un documental de ficción al estilo de la corriente documentalista en boga por esos años en Budapest.
Para cada film se tomó un largo tiempo de planificación de ahí las ocho obras realizadas que pueden parecer poco, pero son mucho.
Satantango junto al caballo de Turín son sus films con mayor planificación de rodaje. Satantango a la vez es su film más largo y uno de los más extensos de la filmografía mundial, dura 7 horas. Esto hace que el film de 1994 haya sido de difícil exhibición aunque a medida que se descubre sigue apareciendo en distintos festivales del mundo.
Cuenta la historia de una granja colectiva que irremediablemente fracasa dejando en ruinas a sus integrantes, una alusión al fracaso del sistema socialista y los motivos por los cuales fracaso en Hungría.
Su otro film emblemático y cuya fotografía por momento causa un placer indescriptible en quién la ve es "El hombre de Londres" historia de un sereno de puerto que recoge una valija llena de dinero de un dique, basado en la novela de George Simenon.
Tarr que en 2005 recibió el premio al mejor director extranjero en el festival de Cannes es uno de los directores claves de los últimos 30 años del cine, es uno de los pocos directores que sostiene el concepto de arte en la cinematografía.
La influencia de Tarr en las generaciones contemporáneas es enorme, sin embargo apenas es conocido por el gran público y resulta indigerible para los amantes del cine chatarra y de las superproducciones hollywoodenses. Pero son pocos los directores que no aprenden de él.
A él le gusta Fassbinder y reconoce la influencia de Brueghel "el viejo" en su forma de componer las imágenes.

Desde sus comienzos influenciado por los documentalistas y la mirada socialista del bien común y la denuncia social, desde el realismo más crudo, libre de afectaciones fue film a film mutando hacia una mirada espiritual de comprensión sobre los padecimientos del hombre con tips universales donde a través de gestos o miradas, con los lentos desplazamientos parsimoniosos de su cámara logra recrear atmosferas cargadas de tristeza y melancolía como tal vez nadie ha logrado hacer.





                                             

                                                       TRAILER

                                                                          




























                      Koen Mortier



Ex drummer (2007)


 Director Koen Mortier
Producción Koen Mortier- Eurydice Gysel
Guión Herman Brusselmans-Koen Mortier
 Starring Dries Van Hegen- Norman Baert
Música Arno Hintjens -Flip Kowlier- Millionaire -Flip Kowlier
Año 2007
Duración 90 min.
 País Bélgica

Elenco


Una película hardcore. 
Un trío de "discapacitados" conformado por un cantante violador y asesino de mujeres, un bajista gay con un brazo paralizado y un guitarrista sordo buscan un baterista también discapacitado para participar en un concurso de rock . Para acrecentar las chances de ganar el concurso deciden invitar a un famoso escritor cuya "discapacidad" es no saber tocar la batería.

Es un film sórdido que sin el humor negrisimo y ácido con el que cuenta sería indigerible. Y aún así no es apta para cualquier estomago.

Koen Mortier perfila como un director obsesionado con regresar los personajes muertos a la vida para contar su visión de los hechos, algo que tímidamente asoma en esta ex drummer toma el control de la historia en su segunda película 22 mei.

No apta para menores,ni para personas impresionables, ni para los amantes de la música sin distorsión.



 



22 MEI                                       

Director   Koen Mortier
Guión       Koen Mortier

Reparto   Tito de Voogdt
                 Jim Hammernecker
                 Wim Willaert
                 Norman Baert

País          Bélgica

Año         2011



Sam es seguridad en un centro comercial y esa es
su vida. Pero podía ser peor.
Un joven traumatizado por la muerte de su madre
decide inmolarse llevándose consigo la mayor cantidad de gente posible. Un cruce fortuito con un policía que lo ha detenido por algún hecho menor lo decide a volarse en este centro comercial.
Sam comienza a sacar las víctimas pero antes de terminar el rescate huye del lugar a la carrera hasta quedar en una calle desolada.
Desde allí el film transita una atmósfera surreal. Sam es interceptado por la culpa, por sus dolorosos recuerdos y por las víctimas que le reclaman una explicación, y le exigen detenga al joven suicida. Al mismo tiempo son las víctimas las que cuentan su historia a Sam. Volviendo una y otra vez a los minutos previos a la explosión se van desmenuzando  los motivos que los llevó a estar allí en ese momento.

 TRAILER
 Mariano Llinás

HISTORIAS EXTRAORDINARIAS




Antes de ver esta película conseguir un buen almohadón-
  
 Dirección              Mariano Llinás
 Guión                   Mariano Llinás
 País                       Argentina
 Producción            Laura Citarella.
 Fotografía:             Agustín Mendilaharzu.
 Montaje:                Alejo Moguillansky y Agustín Rolandelli.
 Sonido:                   Rodrigo Sánchez Mariño y Nicolás Torchinsky.
 Música:                   Gabriel Chwojnik.
 Producida por:        El Pampero Cine e I.Sat.


 Duración                 245 min
 Año                         2008

Una película contada, de 4 horas de duración. Tres historias sobre la pampa bonaerense que nunca se cruzan. Una gran gran puesta hecha con dos pesos que va creciendo a medida que pasan los minutos y sigue creciendo y sorprendiendo hasta el final. Tanto que al final uno siente
que 4 horas no es nada.
Es una historia o tres historias inmensas. Es mejor no contar nada más porque hay que verla y disfrutarla desde el principio.










TRAILER





Enki Bilal

No es propiamente un director de cine, Enki Bilal ha brillado siempre en el cómic, sin embargo parece haberse dado el gusto de su vida al llevar a la pantalla grande su gran historieta Inmortel

INMORTEL (Ad Vitam)



Dirección          Enki Bilal
Guion                Enki Bilal
Producción       Charles Gassot
País                    Francia
Duración           102 minutos
Año                    2004
Reparto:
Linda Hardy
Thomas Kretchsmann
Charlotte Rampling
Frederic  Pierrot

 Una película ampliamente criticada por distintos motivos: las animaciones un poco rígidas, las actuaciones flojas, etc.
Pero quien ha leído la trilogía de historietas: El carnaval de los inmortales, La mujer trampa y Frío Ecuador
disfrutará de esta película de ciencia ficción mística, en la cual Horus desciende 7 días, en el año 2095, a un planeta tierra habitado por humanos "tuneados" genéticamente, buscando una mujer. Para ello se paseará dentro del cuerpo de Nikopol un activista social  quien fortuitamente se encuentra  libre y prófugo  al caer desde el espacio el modulo donde se hallaba encarcelado.
Que las animaciones no sean de alta calidad o que los protagonistas no sean grandes actores es casi un detalle en esta apasionante historia.

                                          PELÍCULA COMPLETA subtitulada 
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